Febbraio è il mese più sottovalutato del sistema dell’arte. Tutti parlano di Miami a dicembre, di Venezia a maggio, di Basilea a giugno. Ma febbraio? Febbraio è quando il mercato decide davvero cosa accadrà nei prossimi mesi.

È un mese strano, febbraio. Troppo presto per vedere i risultati delle strategie annuali, troppo tardi per essere ancora in modalità esplorazione. Eppure è esattamente in questa terra di mezzo che si giocano partite decisive: quali artisti entreranno nei programmi delle gallerie internazionali, quali opere troveranno collezionisti seri, quali relazioni nate davanti a un caffè diventeranno collaborazioni che cambiano traiettorie professionali.

Nel 2026 non tutti guarderanno la fiamma olimpica allo stesso modo.
Alcuni la porteranno.

Nel sistema dell’arte e della cultura, il Blue Monday non è solo una ricorrenza pop.
È un sintomo.

Un segnale sottile che emerge proprio nel periodo in cui il settore è chiamato a ripartire: nuovi programmi, nuove progettualità, nuove urgenze. Eppure, a gennaio, ciò che si avverte spesso non è slancio, ma una pausa non dichiarata. Una stanchezza silenziosa, difficile da nominare, che attraversa pratiche, istituzioni, processi creativi.

Lo dissero nell’Ottocento davanti alla fotografia. Oggi lo si ripete parlando di intelligenza artificiale e arte. Ma se il vero problema non fosse la tecnologia, bensì il modo in cui continuiamo a fraintendere il ruolo dell’artista?

Ogni volta che una nuova tecnologia attraversa il territorio dell’arte, la reazione iniziale è quasi sempre la stessa: sospetto, paura, rifiuto. Eppure la storia dimostra che l’arte non muore, bensì si trasforma. La fotografia non ha sostituito l’artista, ne ha ridefinito il campo d’azione, liberando la pittura dall’obbligo mimetico e aprendo nuovi territori espressivi. Anche oggi, nel dibattito sull’intelligenza artificiale, assistiamo allo stesso panico morale: si parla di fine, quando in realtà siamo di fronte a un passaggio di inizio.

Ogni giorno scorriamo immagini, partecipiamo a eventi, leggiamo testi, incontriamo opere. L’arte è ovunque, sempre presente, sempre accessibile. Eppure, sempre più spesso, lascia una sensazione difficile da nominare: quella di essere passata senza essersi fermata davvero. Non per mancanza di qualità o di intenzione, ma perassenza di spazio. Uno spazio in cui tutto ciò che vediamo possa depositarsi, diventare esperienza invece che passaggio.

Esiste una sottile differenza tra un’azienda che occupa spazio nel mercato e una che occupa un posto nella vita delle persone. Molti leader oggi sono ossessionati dalla crescita esponenziale, ma io credo che la vera sfida per il 2026 non sia scalare una classifica, bensì ridefinire il concetto di utilità.

Il Natale è un tempo sospeso, in cui rallentare lo sguardo e riconoscere ciò che ha davvero valore.
È da questa consapevolezza che nasce la visione di Artistinct: una convinzione chiara e radicale secondo cui l’arte contemporanea non cresce per caso. Cresce quando incontra strutture solide, una visione curatoriale coerente e un sistema capace di accompagnare il talento nel tempo e nello spazio.

Artistinct si aggiudica il premio di Migliore Espositore Internazionale a Spectrum Miami e Red Dot Miami 2025. Ma dietro il riconoscimento c’è una storia più grande: quella di quattro persone che hanno deciso di costruire l’infrastruttura che all’arte italiana mancava per competere davvero sul mercato globale.

Dicembre a Miami non è un mese come gli altri: è l’epicentro sismico del mondo dell’arte. L’aria tropicale e frenetica nasconde un rituale che ogni anno attira collezionisti, critici, galleristi e semplici curiosi. La Miami Art Week è il momento in cui l’arte smette di essere relegata ai musei e diventa la valuta più viva, e a volte spietata, del pianeta.

Martedì 25 novembre 2025, nelle piccole vie traverse del Duomo di Milano, la birreria Spiller Duomo ha respirato un’aria diversa. Chi è passato di lì ha sentito che, per una sera, l’abituale aperitivo delle 18.30 si era trasformato in qualcosa di più: un vero punto d’incontro, fatto di conversazioni che cercavano la profondità, non la superficialità.

In un panorama globale sempre più frammentato e saturo di informazioni, la figura professionale contemporanea, in ogni settore – dall’alta finanza alla curatela artistica – è ossessionata dalla ricerca del Purpose. Questo “scopo superiore” non è più un lusso filosofico, ma un imperativo strategico per la crescita personale e il successo a lungo termine. Il mondo dell’arte, per sua natura custode di significato e trascendenza, non fa eccezione. Anzi, è forse il luogo dove l’esigenza di allineare vocazione, competenza e opportunità si fa più acuta.

Il mercato dell’arte è in crisi sistemica, ma non per mancanza di qualità o di capitali. La vera disfunzione è una profonda frattura strutturale: l’assenza di dialogo tra i suoi attori. Questo ecosistema sta fallendo nel sostenere le nuove generazioni creative, cristallizzato in circuiti chiusi che sistematicamente escludono il talento emergente.