Le categorie “tecniche” dell’Academy sono il più grande museo di arte contemporanea al mondo. Ma il sistema dell’arte non vuole ammetterlo.
Domenica 15 marzo, al Dolby Theatre di Los Angeles, verranno premiati alcuni degli artisti contemporanei più visti al mondo. Solo che nessuno li chiamerà così. Li chiameranno “tecnici.”
La 98ª cerimonia degli Academy Awards arriva con un dato storico che merita attenzione: Sinners di Ryan Coogler ha ricevuto sedici nomination, il numero più alto mai registrato, superando il record condiviso da colossi come Eva contro Eva, Titanic e La La Land.
Ma la vera rivoluzione di questa edizione non si gioca nella corsa al Best Picture. Si gioca in quelle categorie che il pubblico generalista considera ancora “marginali” e che, a ben guardare, rappresentano la frontiera più avanzata della creazione artistica contemporanea: Production Design, Costume Design, Cinematography, Makeup & Hairstyling.
Categorie che il sistema dell’arte ignora. E che meritano una lettura radicalmente diversa.
Consideriamo i fatti. Per il Production Design sono nominati Tamara Deverell per il Frankenstein di Guillermo del Toro, Fiona Crombie per Hamnet, Jack Fisk per Marty Supreme, Florencia Martin per One Battle After Another di Paul Thomas Anderson, Hannah Beachler per Sinners.
Per il Costume Design, Kate Hawley ha reinterpretato visivamente il mito di Frankenstein con un lavoro che si muove tra scultura tessile e ricerca iconografica, mentre Ruth E. Carter raggiunge la sua quinta nomination per Sinners, un record assoluto che la rende la donna afroamericana più nominata nella storia degli Oscar in qualsiasi categoria.
Per la cinematografia, Autumn Durald Arkapaw è diventata la prima donna di colore a ricevere questa nomination nella storia dell’Academy, quarta donna in assoluto dopo Rachel Morrison, Ari Wegner e Mandy Walker.
Ora, una domanda che il mondo artistico dovrebbe porsi con più coraggio: cosa distingue il lavoro di Tamara Deverell, che costruisce mondi tridimensionali attraverso spazio, luce, materiali, colore, da un’installazione site-specific presentata in una biennale?
Cosa separa la ricerca tessile di Ruth E. Carter dalla fiber art che i musei espongono con reverenza crescente? In cosa la composizione visiva di Autumn Durald Arkapaw differisce, nel suo nucleo creativo, dal lavoro di un fotografo d’arte esposto a Paris Photo? La risposta, se siamo onesti, non sta nel processo, nella visione o nella maestria. Sta nella cornice istituzionale, nel contenitore e nell’etichetta.
È un paradosso che questa edizione degli Oscar rende particolarmente visibile. Da decenni il discorso critico celebra la dissoluzione dei confini disciplinari. L’arte ormai da anni si contamina con la tecnologia, con la scienza, con il design.
Le biennali ospitano film, performance, architetture effimere. I musei aprono le porte alla moda, al suono, al digitale. Eppure, quando la creazione artistica avviene dentro il perimetro dell’industria cinematografica, scatta un riflesso di esclusione.
Un’installazione immersiva di Olafur Eliasson è arte contemporanea. Un set di Jack Fisk che trasforma lo spazio con identica intensità visionaria è “scenografia.” Un abito di Iris van Herpen esposto al Met è arte. I costumi di Kate Hawley che danno corpo a una reinterpretazione radicale del mostro di Mary Shelley sono “wardrobe.” Il mondo dell’arte contemporanea ha abolito i confini in teoria. Li difende ferocemente in pratica.
Il caso più emblematico di questa edizione è proprio il Frankenstein di Del Toro. Nominato simultaneamente per scenografia, costumi, trucco, fotografia e colonna sonora: otto nomination totali. Il film è nei fatti un’opera d’arte totale, un Gesamtkunstwerk nel senso wagneriano del termine (“opera d’arte totale”).
Ogni dimensione sensoriale è stata pensata come parte di un’unica visione: lo spazio, la materia, la luce, il suono convergono in un progetto estetico unitario e coerente. È esattamente il tipo di esperienza che il mondo dell’arte contemporanea teorizza, celebra e insegue. Con una differenza: è arrivata nel formato sbagliato. 35mm invece che white cube. Sala cinematografica invece che spazio espositivo. E questo, per il sistema, è sufficiente a renderla invisibile.
C’è un’ironia finale in tutto questo. Mentre il mondo dell’arte discute i propri confini, il pubblico li ha già superati. I milioni di visitatori del collettivo teamLab a Tokyo non si interrogano sulla legittimità artistica di ciò che stanno vivendo.
Chi ammira i costumi di Black Panther esposti allo Smithsonian non cerca la validazione di un critico. Le nuove generazioni di appassionati e collezionisti ragionano per esperienze, per intensità, per risonanza emotiva e intellettuale, non per categorie disciplinari.
L’arte vive ovunque ci sia visione, ricerca e intenzione espressiva. Che sia su una tela bianca, in uno spazio museale, o in un set cinematografico che verrà smontato dopo tre mesi di riprese.
Quest’anno, quando guarderete gli Oscar, provate un esercizio. Non saltate le categorie “tecniche.” Non andate a prendere da bere durante la premiazione del Miglior Production Design. Fermatevi. Osservate. Quella è arte contemporanea nella sua forma più ambiziosa, più rigorosa e più vista al mondo. Semplicemente, nessuno la chiama così.
Ancora.
Dove tracciate voi il confine tra arte e industria creativa? E soprattutto: ha ancora senso tracciarlo?
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